Поп-арт

На Форуме была тема "Сюрреализм", народ очень интересно высказывался, нашлись настоящие ценители.
Иньересно было бы узнать - кто что думает на тему Поп-арта?

"Выставка классика поп-арта в Лондоне"
http://news.bbc.co.uk/hi/russian/entertainment/newsid_3490000/3490798.stm

Вот ведь как! :) (Насчёт фото).

фу, поп-арт мне жутко не нравится, не представляю его себе как искусство.

Мне кажется, в поп-арте очень мало собственно арта. Вот у М.Антонинони спросили о его тетралогии: "-Ваши фильмы о болезни чувств? -Нет, об их отсутствии." Вот чувств в поп-арте никаких, один freak-out (сугубое ИМХО)... И пусть покарает меня суровая рука Velvet Warhol! :))

Фоторепортаж: Лихтенстайн в Лондоне
http://news.bbc.co.uk/hi/russian/photo_galleries/newsid_3490000/3490918.stm

The Mothers of Invention - Weasels Ripped My Flesh 1970
Обложка by Neon Park

На самом деле не следует воспринимать поп-арт очень серьезно, он этого просто не достоин. Мне очень нравится известный прикол: «Знаете, почему этот вид искусства назван ПОП-Артом? Да потому что художник, вставив кисть в попу, рисует свои картины...»

Я не отношусь к поп-арту, как к чему-то великому и неповторимому, наоборот, это та разновидность творчества, которая доступна всем. Поп-арт – это сама жизнь, это то, что окружает нас ежедневно. Любое искусство всегда было современным - египетские пирамиды и Джаконда соответсвовали своему времени. Мы попали на период поп-арта. Во всяком случае, вся музыка, которая так любима нами, развивалась параллельно именно с поп-артом. Ричард Гамильтон, Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн – ярчайшие представители поп-арта, классики направления, оформили не одну альбомную облажку.

Да, безусловно, поп-арт неотделим от эпохи Рока.
Это - артерия (одна из) большого организма под названием РОК-МУЗЫКА. Так же, как и хиппизм, андерграунд (во всех его проявлениях) и т.д.
А граффитти взять?
Всё оттуда! Из РОКА. Всё это ЕМУ принадлежит. Всё это ЕГО "дети". Если хотите "незаконнорожденные".

Roy Lichtenstein (American, 1923-1997), Mustard on White, 1963

Добавлю Умную Мысль в общий котел: поп-арт - искусство порядка. За что люблю :-)

Andy Warhol, "Kieth and Aretha", 1986

Сегодня был в магазине Педагогическая Книга и даже в учебниках истории для 11 класса есть репродукции Roy Lichtenstein!!!!!

~> Mary J Holly:
Поп-арт - искусство порядка? О каком ПОРЯДКЕ идёт речь?

P.S. Спрашивает художник-график.

For Velvet Warhol:
Roy Lichtenstein, Stepping Out, 1978, oil and Magna on canvas, 86 x 70 inches (218.4 x 177.8 cm), Metropolitan Museum of Art, NY.

to: Velvet Warhol: Это фото было (правда в виде обычной цветной фотографии) на сингле Ареты Фрэнклин Jumpin' Jack Flash. Кто-нибудь ходил на Уорхола и Баскию в декабре (Название галлереи вылетело из памяти...). Я, честно говоря не в восторге. Из Энди хорошего были только портреты.

тема достойная, а где изображения наших небожителей?

Cкандальная выставка в галерее "Тэйт"

В лондонской галерее "Тейт" - крупнейшем и самом авторитетном музее современного искусства в британской столице - открылась выставка трех современных британских художников под звучным, но не очень понятным для непосвященных названием "Ин-а-гадда-да-вида".

"Галерея Тейт - национальная галерея британского искусства, в которой демонстрируются работы, начиная с XVI века по сегодняшний день, и у нас всегда была достаточно сильная современная программа, представленная и премией Тернера, и циклом выставок "Искусство сейчас". И потому, когда художники обратились к нам с идеей этого уникального совместного проекта, мы с энтузиазмом ее восприняли".

Так куратор выставки Клэр Уоллес ответила на мой вопрос о том, почему именно "Тейт" приняла у себя выставку трех очень известных, но известных скорее своим шокирующим скандальным искусством художников - Дамиена Херста, Сары Лукас и Энгуса Фэрхерста.

Ведь у "Тейт" вот уже несколько лет существует специально современная галерея "Тейт модерн", не говоря уже у недавно открывшейся в центре Лондона галереи Саачи - а именно с именем этого известного коллекционера ассоциируют чаще всего взлет этих трех, как и многих других современных художников, часто объединяемых термином "Бритарт".

"В райском саду"

In-A-Gadda-Da-Vida - замысловатое и не очень понятное название выставки будет понятно всем любителям классического рока. Так назывался один из классических рок-гимнов конца 1960-х, написанный и записанный музыкантами американской группы Iron Butterfly ("Железная бабочка").

Могущественная и завораживающая рок-драйвом песня должна была называться по-библейски торжественно - In the Garden of Eden - "В саду Эдема", или "В райском саду". Но, по легенде, солист группы Даг Ингл был во время записи настолько пьян, что правильно произнести нужные слова был не в состоянии, и получился вот этот кажущийся бессмысленным набор звуков - In A Gadda Da Vida.

Название Дамиену Херсту, Саре Лукас и Энгусу Фэрхерсту показалось идеальным - в нем удачно соединены и библейская традиционность и роковая современность.

Художники испытывают огромное влияние современной популярной культуры, того, что происходит вокруг них в повседневной реальности, в рок- и поп-музыке. Но в то же время их работы полны и других идей, визуальных игр, намеков, ссылок" - говорит еще один куратор выставки Грегор Муир.

Шестиногая собака и трупы

И, действительно, намеков и ссылок тут более чем достаточно.

F... the Eggman - нарочито грубая перефразировка строчки из битловской I'm the Walrus, Give Pizza a Chance - еще одна издевательская перефразировка названия знаменитой песни Джона Леннона и так далее, и тому подобное.

Ну а что же собственно работы? Дэмиен Херст в привычной ему манере показал закачанных в формалин животных - собаку (шестиногую!) и разделанные коровьи туши. Говядина, правда, помещена в объемистый аквариум, и вокруг нее плавают очень симпатичные рыбки.

Не обошлось и без свойственной художникам бритарта ироничной мрачности - в одной из стеклянных витрин, как в морге, лежат накрытые с головой простынями тела покойников, а в простынях - вырезы для гениталий.

В одном из залов стоит огромный ржавый грузовик, в другом - огромный - метра три - выкрашенный в черный цвет банан. Но в целом настроение выставки вполне радужное. Стены трех залов оклеены специальными веселыми обоями, главная тема которых - бабочки: явный намек на и Iron Butterfly, и на райский сад.

В общем, In a Gadda Da Vida.

BBC, 5 марта

Анджей Вархола, а именно так звучит его настоящее имя, родился 6 августа 1928 года в Форест-Сити, тат Пенсильвания. Его родители эмигрировали из Чехословакии, отец работал шахтером на угольной шахте. О жизни юного Энди известно крайне мало. В 1949 году Уорхол закончил в Питсбурге Технологический институт Карнеги, получив диплом художника-дизайнера. Переехав в Нью-Йорк, Энди изменил свою фамилию на Уорхол и стал работать художником-оформителем в магазинах модной одежды "Тиффани и Ко.", "Бонвит Теллер", а также в журналах "Воуг" и "Глэмор". К середине 50-х годов работа в рекламе принесла успех, благодаря которому стала возможной покупка дома в центре Манхэттена. Тем не менее удовлетворенности
Уорхол не испытывал, и он начал рисовать. В 1960 году он нарисовал серию картинок на основе комиксов "Супермен" и "Утенок Трейси", однако едва ли это можно назвать успехом. Лишь в 1962 году на выставке рисунков для консервированных супов фирмы "Кэмпбелл", проходившей в Лос-Анджелесе, о работах Энди заговорили как о сенсации. Начало было положено. Уорхол был в центре движения поп-арт, куда входили такие художники, как Рой Лихтенштейн, Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс (эта пара поддерживала любовные отношения в течение шести лет).

1962 году краска на консервные банки по-прежнему наносилась мазками. Однако уже к 1963 году Уорхол стал использовать шелкографию, и с этих пор большинство его работ выполнялось именно в этой манере. Совершенно безликие, приспособленные к массовому производству, шелковые оттиски идеально подходили для данных целей. Искусствовед Роберт Хьюз писал: "Разрисовывать консервную банку само по себе не значит заниматься настоящим искусством. Но подлинным в Уорхоле остается то, что уровень производства супа в консервной банке он поднял до уровня создания картин, придав им характер массового производства, - потребительское искусство имитирует процесс, а также облик потребительской культуры".
Подчеркивая упомянутый аспект массового производства, Уорхол стал называть свою студию "Фабрикой". В середине шестидесятых годов "Фабрика" превратилась в место встреч всякого рода талантливых и незаурядных личностей, таких, как ди Седжуик, Холли Вудлон, Вива и Ультравайолет. Рисунки выпускались совместно группойединомышленников под руководством Уорхола.

В этот же период Уорхол стал снимать фильмы - или вернее было бы назвать их антифильмами - бессодержательные хвалебные гимны скуке и эротике, которые подчас тянулись ни много ни мало по двадцать пять часов. Сюда относятся "Ешь", "Blowjob" ("Реактивный самолет"), "My Hustler" ("Мой заводной жулик"), "Девушки из Челси", "Blue Movie" ("Скучный эротичный фильм").

Уорхол считал, что нет искусства "высокого" и "низкого". Он объяснял, почему так часто изображал бутылку кока-колы: "Потому что ее пьют все - и президент страны, и Лиз Тейлор, и нищий, который знает, что его кока-кола не хуже, чем у президента".

Сходный подход демонстрирует и его кинопродукция: "Я начал делать мои фильмы с одним актером. В течение нескольких часов он курил, сидел, ел, спал. Я это делал, потому что понял, что зрители ходят в кино главным образом для того, чтобы увидеть своего любимого актера. Вот я и дал им эту возможность". Во многих произведениях (а не только в высказываниях) Уорхола можно различить нотки пессимизма, порожденного рефлексией на развитие цивилизации, ощущением беспомощности искусства перед лицом страшных событий нашего времени. Он говорил: "Искусство ничего не меняет, оно само меняется, неизбежно двигаясь к концу".

5 июня 1968 года агрессивно настроенная ученица Уорхола по имени Валери Соланас выстрелила в художника, серьезно ранив его. На выздоровление ушел год, но Уорхол так до конца и не оправился от ран. ("После выстрела я как во сне. Ничего не понимаю. Не пойму, жив я или умер".) Оставив своих неуемных приверженцев, в 1970 году Уорхол стал приобщаться к миру знаменитостей. Начался самый продолжительный период его творчества, когда на шелковых оттисках появились ослепительные портреты Мэрилин Монро, Лайзы Минелли, Джимми Картера и председателя Мао. Уорхол также сотрудничал с режиссером Полем Моррисеем в фильмах "Дрянь" и "Одинокие ковбои". В главной роли снимался великолепный, сексуально привлекательный Джо Д'Аллесандро. Эти фильмы претендуют на большую утонченность по сравнению с теми, что Уорхол снял в 1960 году самостоятельно.
В 80-е годы Уорхол стал брать больше коммерческих заказов и заказов на рекламу. Он также подружился с начинающими художниками Кейтом Харингом и Жаном-Мишелем Баскиа и стал их наставником. Уорхол был человеком-загадкой. Тихий, скромный, он не скрывал своей сексуальной ориентации, хотя и признавал, что предпочитает участию наблюдение или чтение о сексе: "Любовные фантазии гораздо лучше любви плотской, - утверждал он. - Никогда не заниматься этим - очень увлекательное занятие". Он любил окружать себя толпой шумных почитателей, однако всегда производил впечатление человека одинокого. Терпеть не мог давать интервью, иногда спрашивал у интервьюирующих, что они хотели бы от него услышать, и разрешал опубликовать сказанное. Свой внутренний мир он скрывал за тщательно возведенным фасадом, таким же студийно безликим и демонстративно банальным, как и его искусство. Нередко он отправлял похожего на себя знакомого читать лекции от своего имени.

На следующий день после несложной операции по удалению желчного пузыря, 22 февраля 1987 года, Уорхол умер во сне от сердечного приступа в Медицинском центре Корнуэлл на Манхэттене. Энди Уорхол был, без сомнения, видным художником своего поколения. Он был бесконечно влюблен в современную культуру со всей ее банальностью и откровенным потребительством. Он был увлечен идеей искусства и бизнеса, замечая при этом, что "успех в бизнесе - самый интересный вид искусства". Искусствовед Джон Расселл писал об Уорхоле, что он "все переворачивал с ног на голову и выворачивал наизнанку, и это у него получалось. По его картинам не скажешь, что они нарисованы рукой человека, не говоря уж о традиционных приемах. Его скульптура напоминала коробки, которые принес посыльный парнишка. Он снимал кинофильмы, где практически не было движения... Что до художественного своеобразия работ, то он просто не думал об этом... Что до признания, которое, как правило, венчает высокое искусство в случае успеха, то он также не придавал этому значения и говорил, что хотел бы, чтобы минут на пятнадцать каждый человек в мире стал знаменитым".