Волшебство стиля "NEW AGE"

Музыка нью-эйдж (англ. new age music, дословно «музыка новой эпохи») — совокупность музыкальных стилей, характеризующихся расслабляющим и позитивным звучанием. Нью-эйдж сочетает инструменты, характерные для электронной и этнической музыки, и характеризуется низким темпом, использованием лёгких и поднимающих настроение мелодий. Эта музыка часто используется для релаксации, рекреации и стимулирования творчества .Исполнители нью-эйджа часто обращаются к темам живой природы, самопознания и национальной культуры.

В музыке нью-эйдж в основном используется модальная консонантная гармония. Продолжительность одной композиции может составлять от нескольких минут до получаса и более. Темп большинства композиций невелик: музыка звучит плавно, расслабляюще; однако, в отличие от эмбиента, не является чисто фоновой. Зачастую композиции включают в себя этнические мелодии.

Нью-эйдж включает как музыкальные электронные формы, опирающиеся на продолжительные гармонические «подкладки», так и акустические формы с использованием флейты, фортепиано, гитары и различных инструментов народов мира. В части набора инструментов нью-эйдж эклектичен: один и тот же музыкант в разных композициях и альбомах может прибегать к использованию самых разных инструментов, от электронных синтезаторов и сэмплеров до старинных и экзотических инструментов народов мира. Могут использоваться как живые инструменты, так и цифровые семплы (записи) их звучания.

Вокальные композиции могут включать тексты на экзотических, мёртвых или даже вымышленных языках, непонятные слушателю, но передающие атмосферу эпохи или региона, которым посвящена композиция. Иногда вместо живой записи вокала используются семплы хора, этнических или церковных песнопений разных народов мира. Целый пласт нью-эйджа основан на использовании григорианского песнопения (проекты Enigma, Era, Gregorian). В нью-эйдже, как и в его ближайшем «родственнике» — жанре эмбиент — часто используются сэмплы звуков живой природы: плеск волн, шелест деревьев, пение птиц, и т. д
На фото : GREGORIAN

Споры об определении :
Мнения критиков, любителей музыки и самих исполнителей о сущности музыки нью-эйдж и о том, какие музыканты относятся к данному жанру, существенно различаются. Существует три основных подхода к определению жанра нью-эйдж.
Нью-эйдж — ветвь электронной музыки, которая включает в себя мелодичные, нетанцевальные композиции с различными видами аранжировок (в противоположность танцевальным стилям, как техно, и поджанрам: экспериментальной электронной музыке(она может быть немелодичной), нойзу,некоторым поджанрам эмбиента и т.д.)
Нью-эйдж — мелодичная электронная музыка, с простым звучанием, мягкими мелодиями и продолжительными композициями, вне всякой связи с духовно-философскими учениями. Данное определение во многом совпадает с первым.

Gregorian В соответствии с этими точками зрения, такие музыканты и группы, как Enigma, Aeoliah, Enya, Lesiem, Loreena McKennitt, Love Orchestra, Jean Ven Robert Hal, Kitaro, Suzanne Ciani, Tangerine Dream, Vangelis, Султонали Рахматов, Ivo Keers, Era и Yanni принадлежат к нью-эйдж. Однако некоторые критики[кто?] с этим не соглашаются. Во-первых, такие музыканты как Loreena McKennitt, Jean Ven Robert Hal, Vangelis и Tangerine Dream начинали свою деятельность, не подозревая, что их музыка может быть отнесена к жанру нью-эйдж, некоторые из них воспринимают «музыку нью-эйдж» как жанр, связанный с религиозно-философскими движениями New Age, к которым сами эти музыканты не имеют ни малейшего отношения. Во-вторых, музыка таких исполнителей, как Tangerine Dream, Mike Oldfield, Jean Ven Robert Hal и Vangelis, очень разнообразна, многие альбомы нельзя отнести к жанру нью-эйдж (например, творчество Vangelis включает музыкальные коллажи и экспериментальную электронную музыку), и поэтому неправомерно прикреплять ярлык нью-эйдж к творчеству того или иного музыканта в целом. В-третьих, по своему звучанию музыка, например, Enigma и Suzanne Ciani значительно отличается, поэтому вряд ли правомерно их относить к одному жанру.
На фото : KITARO

Нью-эйдж — жанр электронной музыки, который в основном имеет прикладное значение и связан с медитативной музыкой и музыкой для релаксации. Зачастую подобные записи продаются в магазинах, ориентированных на любителей йоги, восточных духовных практик, амулетов, благовоний и т. п. Музыканты: Steven Halpern, Anugama, Cusco, David Arkenstone, Deuter, Gandalf, G.E.N.E., Tya, Oliver Shanti, Kitaro, Chinmaya Dunster, Himekami, Медвин Гудалл, Дэва Премал и др.
Таким образом, однозначная классификация музыкального жанра до конца не выработана.

По мнению некоторых слушателей некоторые альбомы Vangelis и Tangerine Dream могут быть причислены к жанру нью-эйдж, но творчество данных музыкантов в целом из-за его многоплановости и сложности нельзя относить к данному жанру. Творчество Enigma ближе к традиционной поп-музыке .Музыка Suzanne Ciani — нью-эйдж, но музыка Klaus Schulze — нет, поскольку он не создает композиций, изначально предназначенных для релаксации и прослушивания в фоновом режиме.
На фото : VANGELIS

Предтечи жанра :
Вопрос об истоках музыкального жанра носит дискуссионный характер, и в качестве его создателей упоминается целый ряд музыкантов. Первоначально элементы музыки стиля нью-эйдж возникли в творчестве джазовых музыкантов, однако преемственность нью-эйдж и джаза многими музыковедами ставится под сомнение. Первым музыкантом, игравшим в стиле нью-эйдж, считается американский джазмен Тони Скотт (Tony Scott, р. 1921). В 1964 он записал первый альбом в стиле нью-эйдж — Music For Zen Meditation. Практически в то же время независимо от Скотта музыку, близкую к нью-эйджу, стал играть другой американский джазмен, Пол Уинтер. В отличие от более медитативной и сосредоточенной музыки Скотта, музыка Уинтера была более позитивной и жизнерадостной. Это было обусловлено её близостью к таким течениям внутри джаза, как босса-нова. Считается, что на формирование жанров эмбиент и нью-эйдж повлияли работы таких джазовых музыкантов, как Keith Jarrett (особенно его запись The Koln Concert), Ralph Towner (с записями Blue Sun и Solo Concert), Lyle Mays, Майлз Дэвис (альбом In a Silent Way 1969 г. и др.).

В дальнейшем, однако, саунд нью-эйджа терял связь с традициями джаза. Уже в 70-е годы нью-эйдж стал преимущественно электронной музыкой; музыканты широко использовали синтезаторы. Cущественное влияние на формирование стиля оказала влияние европейская классическая музыка (Клод Дебюсси), ранняя академическая электронная музыка и минимализм, в частности творчество композиторов-минималистов: Эрика Сати, Терри Райли, Стива Райха, Филиппа Гласса.

С 1968 по 1973 год такие немецкие музыканты и коллективы, как Popol Vuh, Deuter, Can, Tangerine Dream, Klaus Schulze и др. выпустили несколько работ с экспериментальным звучанием, созданным при помощи синтезаторов, акустических и электроинструментов. Эта музыка, определяемая как космическая (kosmische), не создавалась как фон для релаксации слушателя, для неё характерна духовная напряженность, атмосферность, развитие музыкальных тем, однако в этих записях содержались элементы звучания, которые позже будут взяты на вооружение другими музыкантами и определены как эмбиент или нью-эйдж, в зависимости от точки зрения критиков и слушателей. Как правило, с возникновением музыки нью-эйдж в Западной Европе связываются ранние альбомы Popol Vuh («Affenstunde», «In Der Garten Pharaos») и Deuter. Начиная со второй половины 1970-х годов творчество и идеи Брайана Ино, определившего стиль исполняемой им музыки как эмбиент, легко объединили на совместных с ним записях многих музыкантов, таких как Роберт Фрипп, Jon Hassell, Laraaji, Harold Budd, Cluster, Jah Wobble.

В США создателем жанра нью-эйдж считается музыкант Steven Halpern c альбомом «Spectrum Suite» (1975). У европейских слушателей он малопопулярен. В Европе в качестве создателя нью-эйдж музыки в том виде, как она стала привычной для слушателей 80-х годов, часто называется Deuter с альбомами «Aum» (1972) и «Celebration» (1976). Определенное влияние на нью-эйдж и эмбиент оказала также конкретная музыка.

Появление термина :
Сам термин «музыка нью-эйдж» был введен в оборот гитаристом Вильямом Аккерманом (William Ackerman), создателем лейбла Windham Hill, в 1975 году. Ярлык получил широкое распространение в 1980-е годы благодаря лейблу Narada, выпускавшему медитативную и этническую музыку.

В начале 80-х годов, в эпоху кризиса стиля индастриал, многие бывшие музыканты индустриальных групп стали использовать эстетику нью-эйджа в своих произведениях. Так появился жанр «дарк-фолк».

Рост популярности музыки в жанре нью-эйдж связан с возрождением интереса западной молодежи в 1960-80-е годы к духовным традициям и музыке незападных культур и европейского Средневековья. В частности это нашло свое отражение в массовом интересе к григорианскому распеву, а также к искусству, философии и духовным традициям народов Востока. Значительный вклад в популяризацию музыки нью-эйдж внесли американские лейблы Hearts of Space и Windham Hill. Расцвет жанра наступил в 1980-е годы.

Эстетика и идеология :
Связь музыки с неоязыческой религиозной философией new age, от которой произошло название, в настоящее время практически отсутствует. Современный нью-эйдж — сугубо светское искусство. Музыканты, исполняющие нью-эйдж, в жизни исповедуют самые разные религии (в основном разные конфессии христианства), многие не проявляют интереса к религии вообще.

Вместо этого, музыка в стиле нью-эйдж обычно посвящена таким темам, как космос, окружающая среда, природа, благо бытия, гармония с миром и собственным «Я», сны и путешествия в духовном мире. Многие музыканты выпускают альбомы по мотивам своей национальной мифологии и культуры, либо посвящённые культуре экзотических стран. Так, дебютный альбом Энии и целый ряд альбомов Дэвида Аркенстона посвящены кельтской мифологии и истории, первые альбомы проекта Era посвящены учению христианской секты катаров. Китаро посвятил серию альбомов культуре стран Великого шёлкового пути, а проект G.E.N.E. создал музыкальные картины различных регионов Земли, таких как Тихий океан, Средиземноморье, остров Пасхи и др.

Некоторые музыканты, такие как Дэвид Аркенстон и Лекс Плотников, посвящают концептуальные альбомы произведениям в жанре фэнтези, а Майк Олдфилд записал нью-эйджевый альбом по мотивам научно-фантастической книги сэра Артура Кларка .
Названия композиций в жанре нью-эйдж часто очень образные и красочные, например: Purple Dawn (Пурпурный Рассвет) (Anugama), Shepherd Moons (Пастушьи Луны) (Enya), Straight' a Way To Orion (Путь на Орион) (Kitaro), The Quiet Self (Безмолвное «Я») (Gregorian), One Deep Breath (Одно Глубокое Дыхание) (Джозеф, Брэдли).

Нью-эйдж часто используется в саундтреках к фильмам и компьютерным играм, в особенности посвящённым природе, фантастике или истории. Один из наиболее известных композиторов, писавших саундтреки в жанре нью-эйдж — Вангелис, творчество которого, впрочем, не ограничивается этим жанром .Часто нью-эйдж используется как мелодический фон для занятий творческой деятельностью, йогой, массажем, при чтении, как метод борьбы со стрессом и для создания умиротворённой атмосферы.

На фото : ENYA

2Aleksandr A.:
А откуда бралась информация?
Просто интересно, а то там много сомнительных утверждаений (например, про dark-folk или Lyle Mays'а в качестве "джазовых корней").

Судя по всему перепечатана статья из русской википедии.

2papan:
>Судя по всему перепечатана статья из русской википедии.
Да, уже тоже нашел.
Не знаю, не знаток я этой музыки, но (как и почти всегда) лучше бы отечественные "википедисты" перевели статью из "аглицкой".

http://en.wikipedia.org/wiki/New_Age_music

2Aleksandr A.:
>характеризуется низким темпом, использованием
>лёгких и поднимающих настроение мелодий. Эта музыка
>часто используется для релаксации, рекреации и
>стимулирования творчества .Исполнители нью-эйджа
>часто обращаются к темам живой природы, самопознания
>и национальной культуры.

К Tangerine Dream вышесказнное ну никак не относится. Тревожная у них музыка, не релаксирующая. И у "короля" new age Клауса Шульце полно сочинений с высоким темпом исполнения. А Enya - чистая этника. Не всё в new age так просто:-))
Но за статью все равно большое спасибо.

2yellow submarine:

>Но за статью все равно большое спасибо.
Согласен . Не всё так просто , когда в этом стиле столько переплетений и наслоений . Здесь и этника и электроника и вокализы на непонятных наречиях .
И всё это замешано на элементах психоделии и релакса .

KARUNESH .
Карунеш в переводе: сострадательный) — музыкант, исполняющий медитативную музыку в стиле нью-эйдж. Настоящее имя — Бруно Ройтер.


Родился в Кёльне (Германия) в 1956 году. С детства интересовался музыкой, однако выбрал карьеру графического дизайнера. Однажды попал в аварию на своём мотоцикле и на длительное время оказался в коме, что побудило его, выйдя из комы, переосмыслить свою жизнь и провести переоценку жизненных ценностей. В 1979 году он поехал в ашрам Ошо в Пуну (Индия), где получил посвящение и взял себе новое духовное имя — Карунеш (Karunesh), означающее в переводе с санскрита «сострадание». Там он познакомился с Дойтером, Гови и Анугамой, после чего принял решение стать профессиональным музыкантом.

Возвратясь в Германию, в течение пяти лет жил в коммуне Раджниша в Гамбурге. Одновременно с этим развивался как музыкант, общаясь с другими музыкантами и создавая лёгкие, медитативные мелодии.

Музыка Карунеша имеет сильное восточное влияние, в первую очередь индийской народной музыки. Звучание современных синтезаторов сочетается в ней со звучанием нежных колокольчиков, а звучание флейт сочетается с пением птиц и журчанием воды. Также Карунеш использует традиционные индийские музыкальные инструменты (в первую очередь, ситар).

В 1984 году Карунеш выпустил свой первый альбом Sounds of the Heart (Звуки сердца), который был встречен с успехом. Впоследствии выпустил ещё ряд альбомов, ставших классикой стиля «нью-эйдж». В настоящее время многие эзотерические группы (в частности, последователи Ошо) используют его мелодии в качестве фона для медитаций и тренингов [1].

С 1992 года живёт на Мауи (Гавайские острова).

Дискогрфия :

1984 - Sounds Of The Heart
1987 - Colours Of Light
1989 - Sky's Beyond
1990 - Heart Symphony
1992 - Heart Chakra Meditation
1994 - Beyond Body & Mind Meditation
1998 - Secrets Of Life
2000 - Global Spirit
2001 - Silent Heart
2001 - Zen Breakfast
2002 - The Way Of The Heart
2002 - Nirvana Cafe
2004 - Call Of The Mystic
2005 - Beyond Heaven
2006 - Global Village
2006 - Joy Of Life
2008 - Enlightenment
2009 - Revelation
2009 - Heart Chakra Meditation 2

Уже качаю альбом 1984 - Sounds Of The Heart . Послушаю.

2Aleksandr A. :
спасибо.

Для меня всегда играла расслабляющую и уносящую роль музыка группы Пинк Флойд. И не думаю, что может быть что-то более "уносящее"

Уже слушаю KARUNESH. Не люблю такое искуственное звучание. Не мое. Словно миди слушаю )

21966:

> И не думаю, что может быть что-то более "уносящее"
Согласен . Конечно не может . Пинк Флойд - это вершина (выше уже нет ничего)- ИМХО . Да и само построение музыкальных форм отличается . Пинк Флойд все-таки писались в студии от начала до конца ( звуковые и шумовые эффекты накладывались на музыку ), а в Нью Эйдж наоборот ( музыка накладывается на записанные ранее вокальные партии африканских племен)

2Aleksandr A.:
>а в Нью Эйдж наоборот ( музыка накладывается
>на записанные ранее вокальные партии африканских
>племен)

Ну, положим, в new age вокальных партий африканских племен не так уж много. Куда больше германских клавишников типа Берндта Кистенмахера и Клауса Шульце или японцев вроде Китаро.

Согласен . Стиль очень многогранен . Африканские песнопения - это всего лишь часть . Вот ещё один исполнитель NEW AGE :
NICOLAS GUNN .
Николас Ганн – самый что ни на есть настоящий англичанин, родом он из города Рочестера.
Николас не музыкант-самоучка: за его плечами солидное классическое образование, которое юноша получил в рочестерской Королевской Школе Музыки (Royal School of Music). Именно в этом учебном заведении он выучился играть на флейте и изучил базовую теорию музыки. Затем после его окончания юноша направился в Южную Калифорнию, где и обосновался.
Там он начал сочинять собственную музыку и поначалу исполнял ее друзьям, приходившим в его дом. Произведений становилось все больше, они были очень ярки, ни на что не похожи, и долго так продолжаться не могло: творчество Николаса должно было найти выход к широкой аудитории. И это произошло! В 1993 году Ганн записал на студии “Real Music” свой дебютный альбом, называвшийся “Afternoon In Sedona” («Полдень в Седоне»). Успех этого диска был огромен. Что же особенного было в его мелодиях, что заставляло говорить о нем как о новом, выдающемся явлении в мире современной инструментальной музыки?
Прежде всего, стиль Николаса был индивидуален и узнаваем с первых же аккордов. Музыкант нашел свое особое звучание: он соединил воедино нежную флейту и страстные «живые» барабаны, на которых, кстати, он тоже великолепно играет. Сюда же добавилась безупречная мелодическая линия электронных клавишных и иногда, очень тонко, что бы вы думали? Настоящая фламенковская гитара! Она придала музыке Ганна еще больше страсти и гармонии. И во всем этом еще присутствовал индейский колорит: у Николаса особая любовь к музыке коренных жителей континента. Произведения Ганна мелодичны, в них все тонко выверено: чувствуется хорошее музыкальное образование. Но если остановиться только на этом, будет упущено самое главное: музыка Ганна имеет духовные качества. Она обладает силой, страстностью, заражает своей энергией и при этом интеллигентна. Музыкант говорит на языке, доступном многим, стараясь донести до нас свой внутренний поиск. Николас так описал свою композицию “Qomolangma”: «В уме и сердце каждого человека есть место, где он может чувствовать всю мощь земли. Там мы можем найти покой и безмятежность, желание жить в гармонии с природой». И надо сказать, что все сочинения Николаса Ганна очень земные и естественные. В них проявляется скрытая мощь матери–земли, одухотворенная горячим сердцем исполнителя.
Самые значительные события в творчестве Николаса случились позже. В 1994 году выходит его альбом “Sacred Fire” («Священный огонь»), а годом спустя “The Music Of The Grand Canyon” («Музыка Великого каньона»). Интересно, что оба этих альбома попали в главную десятку хит–парада журнала “Billboard”.
Первый из этих дисков, “Sacred Fire”, выделялся не только фирменным «ганновским» звучанием, но также и тем, что в его записи участвовало много других разнообразных музыкантов. К примеру, в “Odessa”, часто крутившейся в разных танцевальных клубах, звучит вокал Кассандры Шеад (Casandra Sheard). В композиции “From Heaven To Earth” («С небес на землю») можно услышать известную скрипачку Карен Бриггс (Karen Briggs), принимавшую участие в записи альбомов и концертах Янни (Yanni). Но, наверное, главным украшением “Sacred Fire” стала классическая гитара Завье (Zavier). Его инструмент с мягкими нейлоновыми струнами гармонизирует музыку Николаса, придает ей завершенность.
И если для “Sacred Fire” подходит просто множество самых добрых слов, то “The Music Of The Grand Canyon”, вышедший в серии “The National Parks Series” («Музыка Национальных парков»), изданной студией “Real Music”, можно смело назвать классикой жанра. Кто–то может засомневаться, а не слишком ли громко сказано? Но так и есть! Я даже считаю, что этот альбом, как и другие из этой же серии, войдет в музыкальную историю, и в будущем его будут изучать как пример какого–нибудь «канонического ньюэйджа». В нем все сплавлено воедино: перкуссия, флейта, мелодичные клавишные, гитара, голоса индейцев и природные звуки. Причем разнообразнейшие природные звуки были записаны именно там, в Национальном парке. Это Его голос — голос Великого каньона.

«Как композитор и музыкант я верю, что все — земля, люди, объекты — резонирует с определенной частотой звука. Используя инструменты и звук, я перевожу эту энергию в изображения. Композиции альбома не обязательно посвящены тому, что я видел в Каньоне, скорее, это — отражение той частоты, которая ему присуща», — рассказывал Николас. И именно в этом я вижу главное достоинство альбома. Для меня “The Music Of The Grand Canyon” принадлежит к новому виду, который я называю visual music. Это та музыка, которая способствует визуализации, которая развертывает перед слушателем различные картины. Когда слушаешь, например, композицию “Flight Over North Rim” («Полет над северным краем каньона»), словно сам пролетаешь над ним, и с высоты птичьего полета перед глазами развертывается его панорама. Стилю Ганна вообще свойственна широта, масштабность. Кроме того, исполнитель, привнося в свои произведения элементы, принадлежащие различным музыкальным традициям, и объединяя их своей индивидуальностью, создает музыку, которая становится уже больше, чем принадлежащей какой–то определенной культуре. Музыка приобретает глобальные, общечеловеческие черты, что, кстати, отличает лучшие образцы ньюэйджа в целом.
«Звуки утесов, залитое лунным светом небо, далекое эхо, бирюзовые воды и меняющиеся радуги — все это я старался поместить в мои мелодии. Я чувствовал мощь Каньона и безмолвную песню внутри его. Закройте глаза и путешествуйте вместе с «Музыкой Великого каньона"". На композиции “Grand Canyon” записан голос индейца навахо, рассказывающего под музыку Ганна об этом величественном памятнике Природы. Интересная деталь: 10 процентов средств с продажи альбома Николас и студия “Real Music” решили отдать на нужды Ассоциации Великого каньона (Grand Canyon Association), занимающейся проектами по сохранению уникального заповедника. По оформлению этот диск — настоящее произведение искусства, один из самых лучших среди всех, что мне доводилось когда–либо видеть.
Николас не удовлетворился достигнутым: в 1996 году он выпускает свой следующий, ставший уже четвертым в его дискографии альбом “Crossroads” («Перекрестки»). Это был смелый, во многом экспериментаторский проект. Чувствовалось, что в его творчестве наступил переломный момент. “Crossroads” явил слушателям нового Ганна: более зрелого и вместе с тем утонченного. Кроме того, здесь особенно сильно проявилась любовь Николаса к индейской культуре. Может быть, изменения были связаны с тем, что впервые как соавтор и аранжировщик на “Crossroads” выступила жена Николаса — Шерил Ганн (Cheryl Gunn). Аранжировки усложнились, стало больше электроники, наряду с привычными живыми барабанами и флейтой Николаса, акустической гитарой Завье и голосами индейцев появились и скрипки, и акустическое пианино, и даже вокал: Шерил очень чувственно исполнила композицию “Forever” («Навсегда»).
Вообще, музыка Ганна стала более динамичной, эмоциональной, хотя “Crossroads” и получился стилистически расплывчатым и неровным. Чувствовалось, что исполнитель находился в творческом поиске, стремясь обновить саунд и найти новые средства для выражения своих идей. Может быть, из–за этих поисков музыка “Crossroads” (особенно, если в нее пристально не вслушиваться) казалась несколько противоречивой, и поклонникам творчества Николаса воспринять этот альбом было сложнее, чем его предыдущие работы. Поэтому успех “Crossroads” оказался куда скромнее, чем “Sacred Fire” или “The Music Of The Grand Canyon”. И если, прочитав эти строки, вы решите, что сей диск оказался попросту провальным, потому что Николас увлекся новациями и «завалил посевную», то я не буду вам возражать. Просто без этих поисков не было бы двух последующих превосходных альбомов, в которых музыкант обрел цельность и нашел новые формы выражения своих идей. Но об этом чуть позже. Возвращаясь же к “Crossroads”, замечу, что даже для самого взыскательного критика на альбоме было нечто, заставившее любого из них замолчать: удивительные по красоте композиции “Crossroads” («Перекрестки»), “Forever” («Навсегда») и особенно “Return Of The Butterfly” («Возвращение Баттерфляй»). В них в полную силу раскрылся талант Ганна как мелодиста.
В следующем, 1997 году сольных проектов у него не выходило, но это не значит, что Николас взял некую паузу. Он продолжал активно и плодотворно работать. Музыкант принял участие в записи дебютного альбома Шерил “Vanity Of Venus” («Тщеславие Венеры»), вышедшего на “Anagram Records”. Ганн ассистировал своей жене и его влияние сильно чувствуется. Альбом получился романтичным, искренним и очень чувственным, что позволяло сравнивать этот диск с работами Энии (Enya). Похоже, Николас не только обрел свою любовь, но и успешно открывал новые горизонты своего творчества.
И вот потихоньку мы подошли к самому сильному, на мой взгляд, проекту Николаса — его последнему альбому “Passion In My Heart” («Страсть в моем сердце»). Этот диск вышел совсем недавно и, без сомнения, стал одним из самых значительных событий в ньюэйджевской музыке. Фирменные аранжировки Ганна остались прежними и вместе с тем чуть–чуть изменились. Они стали еще более эмоционально насыщенными. При этом музыка Николаса, как всегда, предельно точно и лаконично выражает его идеи. В результате своих поисков музыкант достиг, пожалуй, совершенства формы. Особенно мощно звучат следующие одна за другой и сливающиеся воедино композиции “El Gavilan” и “Pale Moon Rising”. Шерил помогала Николасу записывать этот альбом, приняв участие в создании аранжировок и исполнив партии на клавишных. Если каждого музыканта сравнить с какой–нибудь стихией, то Николас Ганн — это, безусловно, огонь, порой мягкий, согревающий душу, порой страстный, обжигающий. И еще маленький штришок к альбому: в “Passion In My Heart”, несомненно, присутствует сочетающаяся с вдохновленностью ясность разума. Ганн говорит, что в своей музыке он стремится отразить все хорошие стороны жизни. «Я изображаю мир, каким он должен быть, где все находится в балансе».
Вот и подходит к концу краткий рассказ о творчестве Николаса Ганна — этого выдающегося мультиинструменталиста, композитора, аранжировщика и просто человека ищущего, стремящегося донести до слушателей весь жар своего сердца, гармонию и красоту мира, того мира, каким он должен быть. Николас создает музыку, которая поднимает дух, придает энергию. Она для того, чтобы жить в полную силу, тотально. Музыка Ганна для тех, кто хочет быть активным и действующим в этой жизни!

Дискография :

1993 Afternoon in Sedona
1994 The Sacred Fire
1995 The Music of the Grand Canyon: The National Park Series
1995 The Music of the Grand Canyon
1996 Crossroads
1998 Passion in My Heart
1999 Return to the Grand Canyon
2001 The Great Southwest
2002 Through the Great Smoky Mountains
2002 A Christmas Classic
2003 Journey to Yellowstone
2004 Breathe

Sacred Spirit - проект немецкого композитора Клауса Цунделя (Klaus Zundel) .Общее направление первых дисков можно охарактеризовал как попытку преобразовать к более современному варианту музыку обычно относящуюся к этническим стилям. Однако потом Остапа понесло... В ход пошла классика, электроника под африканские ритмы, некие намеки на спиричуелс , горловое пение, опять классика и закончилось все блюзом и джазом. Почему тогда все это объединилось в серию? Вот тут как раз главная изюминка проекта. Клаус не захотел просто перевести народные мотивы на электронный лад, он попытался сохранить исходный дух, музыкальное настроение и музыкальный смысл. Sacred, так сказать, Spirit исходного сырья. Вышло настолько хорошо, что работы хватило на 9 лет. Он ездил по миру, гулял по арабским базарам, слушал все что можно было услышать.. Как оказалось Spirit был везде. И в классике и в африканских барабанах. Спасибо Клаусу, за его тонкий слух и чувствительность.
В Sacred Spirit за основу взяты песнопения американских индейцев, смикшированные с современной перкуссией, клавишными, испанской гитарой, флейтой и джазовым фортепиано. Что касается лирики, возможны варианты - от стихов Уолта Уитмена и Сидни Ланье до легенд племени сиу.

Проект B-Tribe:

Музыка может быть веселой или грустной, она может успокаивать или возбуждать, может сделать окружающее пространство огромным как вселенная или крохотным как песчинка в безбрежном океане.

С ее помощью можно повышать работоспособность или просто приятно отдыхать. Нередко музыка является решающим фактором, вдруг резко поднимающим настроение. Идя по улице в дождливый холодный день, промокнув, заходишь в кафе согреться чашкой кофе, и неожиданно для себя слышишь из радиоприемника любимую мелодию, возможно даже из прошлого, с которой связаны приятные теплые минуты счастья. А потом снова выходишь на ту же улицу, в ту же промозглость, но тебе уже не так холодно, потому что любимая мелодия унесла твои мысли далеко от дождя и сырости, и тебе стало хорошо...

Но есть и другая музыка, которую не услышишь на каждом шагу: в магазине, в переходе или в ресторане. Это очень личная и в определенной степени интимная музыка. И от того ее действие еще сильнее. Но эта музыка ни в коем случае не только для сна и расслабления, но также для сосредоточения на главном, на важном, на самом необходимом - на том, без чего трудно двигаться дальше. Двигаться дальше по жизни, с ее неожиданными проблемами, взлётами и падениями. Бесконечно стремиться к тому, к чему стремится каждый от момента рождения и до самой смерти. И в этом смысле, музыка, которую исполняет B-Tribe – это лишь инструмент, призванный настроить человека на осознание этого самого счастья. Пусть даже это счастье в минорной тональности.

Драматическая гитара фламенко и мягкие тональности синтезаторов… Звуки, рисующие в воображении открытые ветру равнины, или океан в сумерки, или пылающее солнце пустыни, или тысячу других живописных картин. Это - музыка как настроение. Это - настроение как музыка. Это и любовь, и смерть, и возрождение. Это - B-Tribe…

" B-Tribe – испанский ответ на Энигму" – было написано в одном из отзывов о первом альбоме группы... Вообще-то B-Tribe (полное название проекта "The Barcelona Tribe of Soulsters") – это детище немецкого продюсера и композитора Клауса Цунделя ( Klaus Zundel) .Так почему испанский? А дело в том, что в паутину нью-эйджевой аранжировки с отчетливыми параллелями к первому альбому Энигмы вплетены гитара и вокал в стиле фламенко. Получился очень красивый симбиоз, который должен понравиться любому любителю нью-эйджа.
Тот, для кого важны термины, определяющие музыкальные направления, наверняка назовет эту музыку синтезом фламенко, эмбиента и нью-эйджа. Однако такой подход, в случае с проектом B-Tribe, слишком прост. Было бы более уместно говорить о звуковых текстурах, каждая из которых имеет свой цвет, свою плотность и свое настроение. И несмотря на то, что в большинстве случаев солирующим инструментом в произведениях B-Tribe является именно гитара, такой подход больше характерен для электронной музыки. А стало быть, не все так просто, как может показаться на первый взгляд. Тем более, что эмоциональная доступность этих произведений – дело рук музыканта, талант которого сложно переоценить. Равно как и его скромность.
Уроженец Хайдельберга, Клаус Цундель закончил музыкальную школу по классу фортепиано, позже научился играть на трубе и с 12 лет зарабатывал деньги в составе похоронного оркестра. В 80-е годы сотрудничал со многими европейскими артистами как композитор. Переселившись на остров Ибица, начал работать над танцевальными проектами, взяв за основу ритмы фламенко – так и родилась концепция B-Tribe.

Сам проект B-Tribe был основан в 1993-м году. Сам Клаус не играет в рамках созданной группы ни на одном инструменте, а занимается только продюссированием, аранжировками и пишет весь музыкальный материал. Основу состава исполнителей составляют приглашенные музыканты. Единственным постоянным членом коллектива кроме Цунделя является гитарист Пако Фернандес (Paco Fernandez) исполняющий все гитарные части композиций.